Symphony for a Beloved Sun, 2013. |
Nacido en Bombay en 1954, creció en un
ambiente educativo a medio camino entre lo hindú de su padre y lo judío de su
madre. Estudios y desarrollo de su carrera en Londres le han llevado a ser una
de principales figuras de lo que se conoce como Nueva Escultura Británica,
etiqueta que comparte con artistas como Stephen Cox, Tony Cragg o RichardDeacon.
Apocalypse and Millenium, 2013. |
Las esculturas de Anish Kapoor tienen una
presencia muy poderosa tanto por sus grandes dimensiones, como por los lugares
en los que se ubican, creando una fuerte relación entre ambos aspectos, de tal
forma que el espacio pasa a ser parte de la obra, los recovecos, los vacíos,
los huecos que remiten, en ocasiones a oscuridades primigenias.
Between Shit and Architecture, 2013. |
Colores pulverizados que interpreta como
presencia de la divinidad en tanto que materia no sólida. Lo importante para
Kapoor es que la obra tenga vida por sí misma, independientemente del artista,
en lo que lo importante es su contemplación convertida en una suerte de ritual.
Blood Mirror, 2000. |
A partir de aquí dejo que sea el propio
artista el que hable de su obra:
“Déjeme decirle que aunque hoy está de
moda la confrontación con el origen étnico del artista, éste es uno de los
menores problemas del arte. Esta aproximación supone un distanciamiento de las
cuestiones realmente importantes. El arte es un sistema simbólico y formal que
trata de problemas que se manifiestan. No creo en la idea del origen étnico.
Puede que el mal arte de hoy aborde este tipo de cuestiones, pero la mayor parte
del buen arte encuentra la forma de evitarlo. Para mí, ser un artista español,
americano o inglés viene a ser igual. Lo importante es la obra”.
Leviathan, 2011. |
“En todas las piezas confluyen las tres
cuestiones centrales de mi trabajo. La primera responde a un intento de ir
hacia el principio, de buscar el origen. La segunda trata el problema de ese
objeto que está y que no está, lo que atañe a las obras de pigmento y de acero,
piezas plurales que escapan de la simple definición de objeto. No son sólo un
objeto, son algo intermedio, un ‘no objeto', lo que es una paradoja. La tercera
cuestión se refiere a la autogeneración o autocreación y todas las piezas
tratan de ello”.
Sky Mirror, 2006. |
“La historia de la escultura, de los
objetos -comenta-, es paralela a la historia de los materiales. Desde la Edad
del Bronce en adelante la cuestión de la materialidad es fundamental. Lo que me
interesa es que para cada materialidad existe una inmaterialidad. Esto puede
ser visto como una cuestión mística, desde luego. Uno de los fundamentos de la
vida es la conciencia, que es inmaterial y misteriosa. A la vez, los objetos
tienen la capacidad de ‘jugar' con lo físico y lo no físico. Esta cuestión es,
finalmente, filosófica, y nos lleva hacia el ‘de dónde venimos'. Me interesan
los interrogantes, y muchas de estas cuestiones se refieren a los opuestos,
como masculino/femenino. El estudio es un lugar en el que el artista puede ser
cualquier cosa... trabajar en él es una especie de ritual pensado para dejar
que las obras se produzcan a sí mismas”.
Turning The World Upside Down, 2010. |
“Es muy simple. Es una protuberancia
blanca que sale del muro, resulta totalmente opaca y pierde o contradice su
fisicidad. Es un objeto y no lo es. La forma es como la preñez y tiene que ver
con lo físico y lo no físico”.
My Red Homeland III, 2003. |
“Es muy difícil aceptarse a uno mismo. No
tengo ni idea. El problema es encontrar la forma de ser creativo y liberarse a
uno mismo. Superar las convenciones, plantearse cómo vivir, cómo ser, asumir la
idea de la libertad, tomársela en serio y encontrar todas las formas posibles
de ser creativo. Una de las razones por las que admiro a Picasso es por su
increíble habilidad para liberarse a sí mismo y ser creativo”.
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