Mark Rothko (Daugavpils, Letonia, 1903 – Estados Unidos, 1970)

“Pienso mis cuadros como dramas; las formas de los cuadros son los intérpretes. Han sido creados por la necesidad de un grupo de actores que son capaces de moverse dramáticamente sin embarazo alguno y de ejecutar gestos sin vergüenza. Ni la acción ni los actores se pueden anticipar o describir por adelantado”

Nacido en Rusia y criado en los Estados Unidos, a donde se había trasladado su familia en los años 10 del siglo XX, Mark Rothko se convertiría, a pesar de no llegar al mundo del arte hasta que no cumplió la veintena, en una de las figuras más destacadas del expresionismo abstracto, junto con Barnett Newman y Jackson Pollock con una obra que fue evolucionando desde unos postulados más vinculados al expresionismo y el surrealismo, hasta llegar a una abstracción lírica. 

En todos esos pasos artísticos la motivación de fondo es un sentimiento trágico de la vida, la necesidad de plasmar en el lienzo el pathos que ya se ve desde sus primeras obras en las que aparecen figuras humanas, aisladas, perdidas, sin rumbo, que vienen de ninguna parte y que tienen su destino en un lugar ignoto. Figuras que con el tiempo se van desfigurando. Como escribió Ángel González en su poema Para que yo me llame Ángel González: Un escombro tenaz, que se resiste / a su ruina, que lucha contra el viento, / que avanza por caminos que no llevan / a ningún sitio. El éxito/ de todos los fracasos.

Esas figuras terminarán por perder totalmente la forma. Estamos en los inicios de los años 40 e inmersos en el segundo conflicto bélico mundial. La idea, que comparte con la llamada Escuela de Nueva York, era la de lograr llegar al espectador apelando directamente a la parcela sensitiva, ir de frente al inconsciente, al sentimiento, y Rothko empieza a tocar los temas relacionados con la mitología y la religión, el nacimiento y la muerte, dejando que su inconsciente guíe su pincel en un paso más hacia la abstracción de finales de esa década de los 40.

“Carne y huesos, vulnerabilidad al placer y al dolor; el espectador diluido en grandes campos de color que conducen a la esfera interior, al cosmos y a la nada. Ocres, rojos y negros enfrentan al espectador a sí mismo, le sumen en un estado de contemplación hasta el abismo del vacío y de vuelta a la existencia.” (Sara Rivera en el artículo Mark Rothko: La intensidad del drama) Entra así en su época clásica, en la que intenta hacer visible el espacio a través del color, y llena el lienzo con rectángulos bidimensionales de color, de contornos borrosos que parecen flotar en medio de la nada.

Colores a los que dota de un contenido simbólico, que traen a su obra los paisajes inmensos de Oregón ante los que era consciente de su propia insignificancia ante la grandeza del paisaje recortado contra el cielo. Cuadros en los que saca a la luz sus sensaciones más profundas, sus emociones que nos llegan de una manera igualmente profunda a través de unos cuadros que parecen prolongarse más allá de la tela, al menos desde un punto de vista mental. Son obras que ocultan más que muestran y que paulatinamente fueron oscureciendo su paleta, lo que conecta con el estado físico y mental que acabaría llevando a Rothko por el camino del suicidio. Era 1970.