Limb’s Theorem (Ballet de la Ópera de Lyon)

Un caos armónico de una belleza sublime. Esa es la única forma que encuentro para definir (de forma totalmente imperfecta, claro) lo que pude ver el domingo pasado (yo era uno de esos antipatriotas que no estaba vibrando con la roja) en el escenario de la Laboral en Gijón.

El Ballet de la Ópera de Lyon trajo la coreografía titulada Limbs Theorem, formada por tres partes tituladas Limb’s I, Enemy in the figure, y Limb’s III, una pieza compuesta por William Forsythe en el año 1990 para el Ballet de Franfort y que el ballet francés incorporó a su repertorio en 2005, y que ya ha traído en varias ocasiones a España.

En este trabajo Forsythe rompe las fronteras entre el ballet y la danza contemporánea, para crear un híbrido enormemente interesante y de una excelsa brillantez, gracias también al excelente trabajo que hace el elenco de unos bailarines a lo que se les coloca en el límite de su cuerpo, en la exploración más profunda, intensa y hasta violenta, de la capacidad de movimiento de todas y cada de las partes de su cuerpo. Todo ello apoyado en una música compuesta por el holandés Thom Willems, en la que se mezclan sonidos urbanos con otros más claramente étnicos, lo metálico, sonidos electrónicos, y ritmos sincopados.

En Limb’s I, se coloca a los bailarines en un escenario abstracto, negro, roto por una gran estructura rectangular blanca, apoyada en el suelo por uno de sus ángulos, y que con su movimiento se convierte en un bailarín más. Estructura amenazadora que condiciona los movimientos de los bailarines, solos o en grupos, que se cruzan, se contraponen, viven y nos cuentan. No hay palabras, no son necesarias, la vida fluye, se alimenta y, nada más y nada menos, vive. Lo abstracto del espacio coloca y descoloca al mismo tiempo, pero también da libertad y desnuda la esencia de un movimiento de cuerpos llevados al límite, a una tensión que tiene mucho de barroca en algunos momentos, pero nada se confunde, todo está claro en medio del paroxismo, nada emborrona el cuadro que los cuerpos dibujan con sus efímeras pasadas por el espacio.

La armonía en negro se rompe en Enemy in the figure, donde ya entra el blanco y se introduce un elemento escenográfico de madera (me recordaba a las eses de Serra). Aquí todo es violencia, no se da descanso al espectador, ni la música ni los bailarines tienen piedad de nada ni de nadie, hasta el punto de que parecen buscar la huida de sus propios cuerpos. Aquí el juego de luces es fundamental, a veces iluminan y otras oscurecen, dejan a los bailarines en un contraluz que obliga al espectador a poner lo que falta para completar la escena. Parece no haber salida, probablemente porque tampoco hay un lugar al que ir.

Limb’s II cierra la trilogía de una composición que no tiene un hilo conductor definido, ni un climax cerrado, lo que termina de contribuir a la sensación que tiene el espectador de que en todo ello hay un algo inaprensible, algo que se nos escapa al entendimiento, y entonces surge la pregunta: ¿qué es lo que hay que entender?. El referente visual que salta inmediatamente a la vista en esta parte final, es el que marcó el cine del expresionismo alemán, en un ambiente que, al mismo tiempo, tiene un componente futurista. La linealidad ya está definitivamente rota, los bailarines siguen con sus movimientos convulsos, rotos, siempre en tensión, de movimientos irreales en un espacio tan incierto que no sería descabellado del todo, hablar del no espacio.

Después de mantenernos en tensión permanente, de repente la música se convierte en un simple sonido metálico que se repite con intensidad decreciente, hasta que de repente las luces se van y el telón cae, generando un momento apabullante, que nos deja a todos al borde de un abismo por cuyo filo nos han estado llevando durante toda la representación.

"Disolverse. Dejarse evaporar. El movimiento está en relación directa con vuestra facultad de evaporaros realmente. Bienvenidos a lo que creéis ver". (William Forsythe)