Helena Almeida (Lisboa, 1934)

El territorio artístico de esta creadora portuguesa tiene en su propio cuerpo su patria originaria y fundamental. A partir de ahí genera una obra que no termina de ser ni body art, ni pintura, ni fotografía, ni performance, ni arte conceptual, pero que es todo al mismo tiempo. Es un ejemplo realmente extraordinario de hibridación de distintos caminos artísticos que confluyen en un objetivo que no es otro que una obra de arte que busca plantear la reflexión en torno a lo real y a lo virtual por lo que al espacio se refiere, y sobre el concepto de modelo y de representación.

En alguna ocasión la propia artista ha definido su creación diciendo: “La obra es mi cuerpo, mi cuerpo es la obra”. Una definición que ha ido matizando desde sus inicios artísticos en la Escuela de Bellas Artes de la capital portuguesa, y su posterior inmersión en la realidad artística de la capital francesa, donde entra en contacto con la abstracción y hasta llegar a los postulados conceptualistas.

Un ejemplo de la hibridación artística a la que hacía referencia en el primer párrafo, son sus autorretratos, aunque le pega más el concepto de autorepresentación, obras que empiezan por un soporte fotográfico, ayudada por su marido, que luego se convierten en una suerte de lienzo sobre el que interviene utilizando técnicas pictóricas y otros materiales. Al utilizar como soporte su propio cuerpo se incorporan elementos más próximos a la escultura y la performance, lo que genera obras mestizas.

Ella misma lo explica: “Quiero que cada obra resuelva una cuestión y la refleje con toda intensidad; a veces paso días o meses pensando en una. Cada obra tiene un pasado enorme, por eso es importante el proceso: dejas atrás, modificas u ocultas muchas ideas. La fotografía es sólo el click final”. Los colores que utiliza tienen para ella una carga simbólica, de tal modo que el azul representa el espacio; el blanco la pureza; el negro, ausencia de luz; el rojo, drama y composición. Colores todos ellos que reconoce que utiliza cuando lo siente como una necesidad: “El rojo es pesado, da la sensación que no puedes atravesar el espacio, al revés que el azul; el negro, que tiene que ver con la espesura, con el grafito, tiene mucha densidad”.

Al final, después de un arduo proceso que se inicia con el dibujo de muchos bocetos, busca la mejor solución técnica y luego su marido dispara la cámara, consigue unas obras de una fuerte intensidad poética ante la que es posible pensar en mensajes acerca de las dificultades que tenemos para comunicarnos, con la soledad, la pérdida, el complejo mundo de los sentimientos.