Lucian Freud (Berlín, 1922 - Londres, 2011)

"Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son". Frase del propio pintor que ya nos pone sobre la pista de su estilo pictórico, y nos habla de su afición al retrato, a convertir en sus modelos a amigos, familiares, amantes, niños. Personas a las que no idealiza en absoluto, sino que las muestra en todo su esplendor imperfecto, con arrugas, michelines, envejecidos, hasta convertirlos en una obra de arte provocadora, desconcertante y con un punto perturbador.

Lucian es nieto del padre del psicoanálisis, Sigmund Freud, y la familia se trasladó a Inglaterra en 1933, donde ya quedará asentada definitivamente, y donde nuestro pintor empezó sus estudios artísticos, con un paréntesis para servir en la marina mercante entre 1941 y 1942, momento en el que fue desmovilizado. En 1944 hizo su primera exposición y dos años más tarde, viajaría a París e Italia.

En sus inicios su estilo está próximo al surrealismo, luego evolucionará hacia lo figurativo, en consonancia con sus amigos Francis Bacon y Auerbach, y empieza a centrarse en el retrato. El propio Lucian dirá que incluso cuando pinta un paisaje o una silla, en realidad lo que está haciendo es un retrato, y que todo en su obra es autobiográfico. En aquellos primeros pasos por el surrealismo, se aprecia una exploración de ese terreno tan evanescente como es el del subconsciente, al que su abuelo dedicó sus estudios, ahí donde viven los miedos, donde nacen las pesadillas, donde habitan los fantasmas de la conciencia.

En la evolución hacia la figuración esas constantes seguirán estando detrás de su estilo, con un realismo en el que se detalla todo, en el que las sombras adquieren un tinte minuciosamente inquietante, por medio de una pincelada de gran expresividad. En los años 50 empieza a hacer retratos de desnudos, a través de los cuales Lucian Freíd hace una interpretación de sus vidas, de sus fracasos, casi como si los estuviera psicoanalizando a través de sus pinceles. Nos muestra aquello que normalmente las personas sólo enseñamos, y no siempre, a los que tenemos más próximos, y eso nos pone ante preguntas sobre nosotros mismos, de esas que no tienen respuestas sencillas.

Mujeres desnudas o casi, en poses que quieren ser eróticas, pero que se quedan en esperpénticas, seres humanos agobiados por la vida, por el vacío existencial, y con un conflicto interior permanente entre lo que pretenden ser y lo que son realmente, incapaces de mentir ante el ojo escrutador del pintor. Cuerpos, en ocasiones con obesidad mórbida, silenciosos, en interiores revueltos, donde los elementos se convierten en el anclaje que mantiene a los modelos en contacto con la realidad.

Una parte importante de su obra son sus autorretratos, en los que se pinta con rasgos duros, bien definidos, con un punto atormentado, que otras veces se convierte en desidia, en desinterés, en abandono, probablemente como reflejo de un momento de desesperanza, de falta de confianza en la humanidad. Son cuerpos que lanzan al mundo gritos desde el silencio, para hacernos llegar un mensaje angustioso y desde el dolor más intenso.

La serie de retratos que le hace a su madre cuando ésta estaba pasando una profunda depresión después de la muerte de su marido, es de una fuerza extraordinaria. El pintor la retrata en repetidas ocasiones, para dar lugar a una serie de obras en las que el dolor por la ausencia, y la comprensión de ese dolor, nos asaltan con una crudeza incómoda. La madre permanece inmóvil, en silencio, casi (o no) como si estuviera esperando a la muerte para librarse de una carga excesiva para unos hombros frágiles de anciana.